Como Ruth Kedar criou o famoso logo do Google

Ruth Kedar é uma das mais renomadas designers da atualidade. É mais conhecida por projetar o logotipo do Google que foi exibido de 31 de maio de 1999 a 1 de setembro de 2015. Os empreendedores Larry Page e Sergey Brin, estavam procurando designers para projetar seu logotipo e Kedar foi convidada a apresentá-los com algumas ideias preliminares de design. Eles gostaram de sua abordagem e estilo sendo contratada para projetar o famoso logo. O design foi aceito devido ao seu modo lúdico, tipo de letra personalizado Catull e grande expressão visual única. Nascida em Campinas, a designer mudou-se para Israel, onde se formou em Arquitetura pelo Technion – Instituto de Tecnologia de Israel. Depois se mudou para os EUA para participar do Programa de Mestrado em Design da Universidade de Stanford. Sua tese de mestrado foi sobre o design de cartas de baralho, sendo que logo após, a profissional foi contratada pela Adobe Systems para ser um dos designers do Adobe Deck, um baralho produzido em 1988. Ela projetou o premiado Analog Baralho Deck e o Duolog. A designer foi professora visitante de arte no Departamento de Arte de Stanford entre 1988 a 1999. Foi premiada com vários prêmios de design e suas obras de arte foram mostradas internacionalmente obtendo grande interesse público. Atualmente está à frente do seu estúdio Kedar Designs.

Ruth, o que é fundamental para criar um design exclusivo?

Para mim, o processo sempre começa com curiosidade; nunca deixa de me surpreender o quanto há para aprender quando se é apresentado a um novo projeto, esteja ou não já familiarizado com o assunto. Acredito que cada projeto é único – uma fusão única de uma miríade de fatores, como seu tempo e lugar, sua paisagem, sua própria cultura envolvente, os desafios que apresenta e enfrenta, as personalidades envolvidas, as pessoas a quem serve, etc.

A chave é alcançar uma compreensão mais ampla e profunda do problema em questão, não apenas os aspectos óbvios, mas também as nuances mais sutis que competem por uma atenção total. Uma solução de design que aborda todos eles, não apenas individualmente, mas como um todo, será, por definição, um design exclusivo.

Quais são as principais ferramentas que um designer deve ter no século XXI?

Quanto mais ampla for a sua caixa de ferramentas, melhor. Para mim, isso vai além de ser atual com as mais novas tecnologias, conhecer o histórico de design ou estar no topo dos princípios do design. Estes não são um requisito novo para o século XXI – eles têm sido os itens básicos da caixa de ferramentas dos designers desde que o campo existe. Era necessário que você se tornasse um mestre em caligrafia de caneta há séculos atrás ou um assistente com o Adobe Creative Suite hoje. O design é uma disciplina utilitária – que resolve problemas reais e muitas vezes muito complexos. Hoje mais do que nunca esses problemas são interdisciplinares por natureza, e eles realmente exigem que os designers sejam capazes de colaborar com colegas que não estão em nosso campo. Desde discussões de alto nível com clientes, engenheiros, cientistas, estrategistas de marketing até sessões detalhadas com equipes de operação e produção, devemos ser capazes de entender suas necessidades para poder interagir adequadamente com elas. Não podemos nos manter só informados dentro de nossa própria área de especialização. Precisamos nos conectar com pessoas que talvez não falem nossa língua (literal e metaforicamente falando). É muito importante saber que, independentemente do tamanho e da qualidade do nosso campo, somos tão bons quanto nossa capacidade de interagir com as outras pessoas que também desempenham um papel fundamental no processo geral.

O que deve ter um design além de forma e função?

Eu já falei sobre design sendo uma disciplina utilitarista, e talvez, à primeira vista, alguém possa assumir que forma e função são tudo o que precisamos. design, no entanto, também é sobre os intangíveis. Nós projetamos para as pessoas. Requer mais que forma e função; de outra forma, a objetividade e a lógica sempre governariam o dia. Você pode chamar isso de Soul (alma), mas é esse “je n´est sais quoi” (algo como eu não sei o que é) que permitirá que nosso público seja capaz de se conectar a ele em um nível emocional. Ao incutir o nosso design com insights que são particularmente relevantes para o nosso público, seremos capazes de ir além do campo objetivo e, mesmo quando destilados para as formas mais concisas, como um logotipo, transcenderá a forma e a função para pintar uma imagem maior., quadro mais amplo que conta uma história muito mais rica, profunda e pessoalmente mais relevante – que fala às próprias experiências do nosso público de uma forma que enriquece e eleva ainda mais a solução do design original.

Em que ponto você acredita que um designer deve pensar como um artista?

Da mesma forma que cada problema é único, assim é cada designer. Nossos processos de pensamentos são tão diversos quanto nossa abordagem e nossos caminhos para resolver problemas. Isso realmente enriquece o campo e oferece grandes oportunidades para ampliar nossas perspectivas individuais. Então, não acredito que haja uma resposta universal aqui. Atualmente, dedico meu tempo ao design e à arte, e embora meu foco mude ligeiramente quando uso um “chapéu” em detrimento do outro, acredito que toda pessoa criativa, independentemente do campo de interesse, compartilha o mesmo conjunto de pensamentos e preocupações durante os processos criativos. Todos nós lidamos com questões objetivas, como a mecânica da luz e da ótica, restrições orçamentárias, etc. Todos somos influenciados por questões subjetivas, como nossas experiências pessoais. Todos somos afetados por premissas contextuais, como nossas referências culturais e suas inferências, e impulsionadas pela intenção de ter um efeito particular sobre o público. E assim, ao longo do processo criativo, nosso pensamento e nosso foco vagam e mudam entre todos os itens acima. Mas, se por causa deste exercício, escolhemos definir o artista como alguém que se concentra na autoexpressão não diluída, em fornecer um ponto de vista único de uma maneira sem remorso, ou como alguém que continua a aprimorar seu ofício e está disposto a arriscar tudo para dar expressão plena aos seus talentos, então eu diria que espero que nós, como designers, pisemos com cuidado quando escolhermos quais desses atributos levar conosco.

Eu acredito que ter um ponto de vista único, ser capaz de articulá-lo claramente e assumir riscos é extremamente importante para um designer. Sem isso, conversas importantes não acontecerão, perguntas vitais serão deixadas de serem feitas, o Status quo permanecerá incontestado e a inovação não acontecerá. Se, no entanto, nós, designers, permitirmos que nossos egos atinjam um ponto em que acreditamos ter todas as respostas, nossas opiniões são as únicas que contam, e nossa necessidade de autoexpressão supera todos os outros fatores, então corremos o risco de não estarmos mais servindo ao cliente e ao projeto.

Quais são suas principais influências?

Eu sempre estive interessada em diferentes áreas nas Artes e Ciências, então, a Arquitetura era um campo de estudo lógico na Universidade. E quanto mais eu aprendi sobre arte, ciência e tecnologia, mais me atraí para o campo do design em seu sentido mais amplo. Eu percebi que, se eu quisesse me tornar uma designer, uma solucionadora de problemas, eu teria que ser uma pensadora e também uma esteta, além de ser tanto uma participante quanto uma observadora do mundo em que vivi e vivo. Os livros que eu leio, os lugares que eu vivi e visitei, todas as pessoas com quem eu interagi, os diferentes campos em que trabalhei. As coisas que eu tentei. As falhas. Cada um deles desempenhou um papel importante em quem eu me tornei e como eu interajo com o mundo, tanto de maneira pessoal quanto profissional. O que aprendi ao longo do caminho é que, às vezes, as experiências mais ínfimas ou aparentemente insignificantes que temos em nossas vidas são aquelas que terão o maior impacto sobre quem nos tornaremos. Então, tento manter meus olhos e ouvidos – todos os meus sentidos – abertos, sabendo que, mais cedo ou mais tarde, essas experiências serão inestimáveis quando menos esperadas.

Como surgiu o famoso logotipo do Google, ou melhor, como foi criado?

Eu estava lecionando design em Stanford quando um amigo que estava fazendo seu trabalho de PhD no Centro de Pesquisa em Design de Stanford mencionou que dois de seus colegas tinham acabado de fundar uma empresa e estavam procurando alguém para ajudá-los com sua marca. Pouco tempo depois, recebi um e-mail de Larry Page me perguntando se eu estaria interessado em encontrá-lo. Tudo começou com uma conversa com Larry e Sergey (respectivamente os fundadores do buscador Google, Larry Page e Sergey Brin) e fomos lá. Como em todo o meu trabalho, a inspiração veio como resultado de pesquisas e conversas extensas com eles para ter uma melhor noção de quem eles eram, da empresa que eles estavam construindo, a sua visão, o seu público, a sua cultura, etc. Os fundadores do Google eram jovens, brincalhões e um pouco mal-humorados, e a empresa que eles estavam construindo – uma empresa como nenhuma outra – seria diferente do cenário inicial. E apesar de ser uma tecnologia nova e bastante intimidante para a maioria das pessoas na época, eles queriam que a experiência de seus usuários fosse intuitiva, fácil e divertida. Esse foi o núcleo da ideia de brincadeira de uma criança. É algo que evoca memórias de momentos felizes, alegres e despreocupados. A partir daí, o uso de cores primárias foi uma escolha óbvia, já que é frequentemente usado em brinquedos de desenvolvimento na primeira infância, especialmente blocos de construção que são particularmente análogos à pesquisa (como um bloco de construção intrínseco ao aprendizado).

As cores primárias, a base da qual uma quantidade infinita de cores pode ser criada, também é análoga à pesquisa; digitando algumas palavras que você espera ter acesso a todas as respostas, para que você não perca a resposta perfeita para você. Uma vez que escolhemos as cores, a próxima pergunta foi: “Em que ordem?”. Na teoria das cores, as progressões em matiz, valor e saturação têm um lugar preciso na roda de cores. A escolha de misturá-los de maneira surpreendente e inesperada refletiu o fato de que essa empresa não seguia as regras e tinha uma nova maneira de ver todas as coisas. Em 1998, o computador ainda não havia encontrado sua voz tipográfica. Ao longo da história, novas ferramentas de escrita inspiraram novos designs de tipos – como o formão criando serifas, a pena gerando scripts cursivos, etc., mas quando os computadores pessoais estavam se tornando a nova ferramenta de escrita, as fontes de computador ainda estavam engatinhando. Questões como pixelização e legibilidade eram muito importantes, e começamos a procurar por uma fonte que fosse além desses obstáculos, além de refletir todos os valores e ideias por trás da marca Google. Da mesma forma que o Google era uma empresa de tecnologia cujas inovações foram construídas sobre os ombros de aprendizados e descobertas anteriores, a fonte Catull foi escolhida por sua visão moderna sobre as fontes tradicionais. Além disso, as formas de letras exclusivas e inclusivas da Catull, como o minúsculo “g” e o “e” e o “o” inclinados, asseguraram um logotipo que não apenas era imediatamente reconhecível, mas legível mesmo em instâncias pequenas e pixelizadas.

Você imaginou que estava criando algo atemporal?

Não, não na escala do que “atemporal” significa neste contexto.

O designer deve pensar na intemporalidade de suas criações?

Sim, mas antes de expandir isso, gostaria de compartilhar como defino a atemporalidade em alguns contextos. Para mim, atemporalidade não é sobre a duração do tempo, mas sim sobre a relevância ao longo do tempo. No design da marca/logotipo, por exemplo, onde o design deve refletir a essência da marca (os valores centrais da marca, o que e quem move e por quê), a implicação é que o design que você cria hoje continuará a servir a marca por tanto tempo quanto a essência da marca permanece a mesma, de hoje a um tempo indeterminado no futuro. Isso significa, no mínimo, que o projeto não deve estar vinculado a um modismo atual, que, por definição, é transitório e passageiro, e que, uma vez substituído pelo próximo modismo, pode deixar de ser relevante. Em outras disciplinas de design, como design de moda ou design de cartazes, por exemplo, onde o design se torna o meio de comentar sobre os atuais tempos sociais, políticos ou culturais, a relevância está em ser “deste momento” e “para este momento”. Mas atemporalidade aqui se refere a como “para este momento” transcende a relevância do momento atual para se manter relevante para os momentos futuros.

Da Vinci disse que a simplicidade é o último grau de sofisticação. O que é fundamental para encontrar esse último grau de sofisticação?

Para mim, simplicidade significa destilar uma ideia complexa em sua essência pura e ser capaz de transmiti-la de maneira fácil, clara, coerente e imediata. Para conseguir isso você precisa primeiro entender todas as suas muitas camadas antes de começar a “descascá-las” para revelar o que está em seu núcleo. A chave para encontrar simplicidade é tomar o tempo e cuidado necessários para passar por este processo. A experiência pode encurtar o tempo, mas a analogia para mim, é uma citação do presidente Woodrow Wilson. Quando perguntado sobre o tempo que levou para preparar seus discursos, ele respondeu: “Depende. Se falo dez minutos, preciso de uma semana de preparação; se quinze minutos, três dias; se meia hora, dois dias; se uma hora, eu estou pronto agora”.

Quais são os principais pilares que moldam a visão do seu renomado estúdio?

Integridade, orgulho no trabalho e aprendizado constante.

Qual palavra foi essencial em sua carreira e que ainda direciona várias de suas ações como profissional?

Curiosidade.